L.A – Heavenly Hell (Universal, 2009)

Lluis Albert Segura (L.A.) no es nuevo en esto de la música. A mediados de los 90 aporreaba la batería de The Green Cherries para más tarde formar parte de Glycerine, Los Valendas y The Nash, grupos que tuvieron gran repercusión en la isla y fuera de ella.

Desde hace cinco años, este mallorquín errante ha estado centrado en L.A., un proyecto que cuenta con la producción del veterano Antoni Noguera y la guitarra de Carlos Pilán (Sexy Sadie), entre otros. No obstante, es Lluis Albert el máximo responsable de las diez piezas que componen “Heavenly Hell”.

Lo que vamos a encontrar en este trabajo es pop en todas sus variantes. Un pop que a veces es bailable (“Evening love”) y otras se torna profundamente melódico. Es el caso de “Elizabeth” o “Perfect combination”, donde L.A. nos ofrece su faceta más romántica.

Además, destacan por su enorme pegada “Crystal clear”, “Hands” y “Heavenly hell”, la pieza más rockera y oscura del disco, una canción que rebosa ritmo y ahonda en la parte celestial del infierno particular de Lluis Albert.

En resumen, L.A ha conseguido un disco redondo, una obra en la que además demuestra que es un todoterreno cuya voz puede recordar por momentos a Eddie Vedder, que no es poco.

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Tokyo Sex Destruction – The Neighbourhood (BCore, 2009)

El combo barcelonés continúa experimentando con la música negra en su quinto trabajo de estudio. Lamentablemente, desde aquel primerizo “Le Red Soul Comunnitte”, un cruce de caminos maravilloso entre el punk y el soul, no han conseguido grabar nada tan adictivo.

Con el paso de los años, Tokyo Sex Destruction han soltado el pie del acelerador para ceder más importancia a la experimentación. No obstante, en “The Neighbourhood” encontramos trallazos de la talla de “It´s gonna be alright” o “They’ve lost control”, que tienen una pegada enorme.

También hay piezas que merece la pena destacar por su gancho. Me refiero a la oratoria incendiaria de “Dope & Love”, el ritmo trepidante y profundamente bailable de “The sounds of your soul” y los vientos callejeros de “Stories from the neighbourhood”.

Pero cada vez son más frecuentes esos devaneos lisérgicos que vienen practicando en sus últimas referencias. En esta ocasión, son varios los cortes que superan los cinco minutos de duración, unas canciones difíciles de digerir a medio camino entre la psicodelia de finales de los sesenta (“I think you lie”), el blues-rock más eléctrico (“Let me down”) y la locura sin más (“Don’t let my hands fall”).

En cuanto a la faceta política que siempre ha caracterizado a la banda de Vilanova i la Geltrú, decir que cada vez adquiere más importancia. No hay más que ver el libreto que acompaña al disco, un díptico en el que no hay ninguna referencia a las canciones o la banda. Nos encontramos con un texto en el que aparecen Chomsky, Puig Antich, The Clash y Abu Ghraib, entre otros, lo que me parece muy respetable.

Que nadie se lleve a equívoco, no es lo peor que han grabado hasta el momento, pero se echa de menos la urgencia de sus primeras grabaciones.

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L.A – Entre el cielo y el infierno

Lluis Albert Segura es un veterano de la escena independiente mallorquina y parece que por fin le ha llegado su momento. Acaba de publicar “Heavenly hell” a través de una importante multinacional, algo que aún no se acaba de creer. Tras haber aporreado las baterías de varios grupos, el balear decidió llevar la voz cantante y meterse de lleno en este interesante proyecto que recibe el nombre de L.A.

“Heavenly hell” es un trabajo muy cuidado que está teniendo muy buena acogida, ¿dónde has estado metido todo este tiempo?

He estado en mi casa (risas), en Mallorca, trabajando en la música desde los 13 años. Llevo más de 15 grabando cosas con bandas como Glycerine, The Nash o Los Valendas. He estado tocando en Inglaterra y en España, pero ha sido ahora cuando de repente todo ha empezado a coger forma. Me ha tocado entrar en esto a los 31 (risas).

¿L.A es única y exclusivamente Lluis Albert Segura o se corresponde con una banda al uso?

L.A soy yo, pero sí que es cierto que cada vez está cobrando más fuerza el directo. En ese aspecto somos una banda sólida, trabajo con músicos con los que ya había trabajado. Lo que pasa es que hasta ahora solía cambiar de músicos cada vez que entraba en el estudio y ahora me apetece trabajar con esta banda. De hecho, para el próximo disco, estoy pensando en grabar con el grupo en el estudio. Yo compongo las canciones en casa, las trabajo, las dejo definidas en cuanto a la estructura, las llevo a la sala de ensayo y después al estudio. A día de hoy, no somos una banda al uso, yo me encargo de todas las composiciones y quiero mantener ese modus operandi, pero en el futuro la cosa puede cambiar.

En algunas de las canciones de tu nuevo disco el amor destaca como tema principal, ¿ha sido la inspiración más fuerte a la hora de componer?

Es probable. Durante el proceso de grabación del disco he pasado por momentos muy duros, ha habido momentos muy buenos y he vivido la ruptura con mi novia de toda la vida. Ahora tengo una pareja con la que estoy muy feliz y todo eso se queda reflejado.

“Evening love” destaca por su invitación al baile, ¿qué te llevó a incluir este tema en un disco en el que predomina el pop-rock?

Es curioso, al principio “Evening love” era más parecida al resto de las canciones del disco, pero decidimos experimentar. Por aquel entonces no sabíamos nada de la multinacional y me apetecía darle un toque disco a la canción para ver qué pasaba, quería hacer lo me apetecía porque pensaba que sería mi cuarto disco autoeditado. Cuando llegó lo de la multinacional el disco estaba prácticamente terminado. Lo que ocurrió es que gustó mucho a la compañía y ahora mismo se perfila como el segundo single.

Tú música suena a veces muy británica y otras muy americana, ¿qué artistas han podido influenciarte?

Durante la grabación del disco ha habido influencias que nos han abierto nuevas puertas. Las cosas que me han influenciado desde siempre no encajan con las influencias que la gente puede encontrar en “Heavenly hell”. Nos han podido influir bandas como Wilco, Orson o Phoenix, pero las que yo siempre he escuchado son Pearl Jam, Counting Crows, Rem,… Estas bandas me llevan influenciando desde el 90.

Has formado parte de varios grupos, entre los que se incluyen Los Valendas o The Nash. Desde principios de los 90 hasta ahora has coqueteado con géneros como el power pop o el rock alternativo, ¿podemos decir que Lluis Albert ha madurado? Yo creo que sí (risas). Es normal, yo consumo mucha música y siempre estoy descubriendo nuevas bandas, indagando por internet y siempre hay cosas que te llaman la atención. Mis primeros discos podían tener un punto más intimista, cercano a Elliot Smith o Nick Drake. Ahora veo las cosas de otra forma, creo que no es tanto una cuestión de madurez.

¿Cómo está la escena musical en Mallorca? Supongo que era más complicado tocar allí que en otras ciudades como Madrid o Barcelona.

En Palma lo que hay son muchas y muy buenas bandas, hay una escena muy viva, pero hay muy pocos sitios para tocar. El problema que tenemos en Palma es que las bandas se van cayendo, se cansan. No es tan sencillo como en Madrid, que coges la furgoneta y te puedes ir a Bilbao. El problema es que allí siempre llega un momento en el que has tocado por todas partes y ya te topas con el mar. No hay forma de salir, tienes que alquilar la furgoneta, meterla dentro del barco,… Es algo muy espeso y la gente se acaba cansando.

Cada cierto tiempo la ciudad de Mallorca sorprende con una apuesta musical fuerte. Fue el caso de Sexy Sadie y Cerebros Exprimidos, ¿crees que le ha llegado el momento a L.A?

Ojalá. Estamos a años luz de conseguir lo que consiguieron Sexy Sadie en su momento. Somos gente que viene de otras bandas, de hecho Carlos Pilán (Sexy Sadie) está con nosotros. Todos tenemos una trayectoria y podemos ofrecer mucho. Creo que estamos en un buen momento y podemos optar a eso.

¿Te han dicho alguna vez que tu voz recuerda a la de Eddie Vedder?

Sí, me lo han comentado en el pasado. Yo he sido muy fan de Pearl Jam y nunca he dejado de escucharlos. Mis discos favoritos son “No code” y “Yield”, que son los más relajados y creo que me han influenciado mucho. Es normal que llegues a coger ciertos dejes. Cuando canto tengo un timbre parecido al suyo, pero no es igual, él fuma, es mayor y tiene la voz mucho más grave, pero la comparación es normal y para mi es todo un honor. Es como si al que juega al baloncesto le dicen que recuerda a Michael Jordan (risas).

¿Cómo es el infierno celestial?

Han sido tres años de experiencias horrendas y de momentos gloriosos. Aunque sea difícil de creer, el título se decidió mucho antes de que empezaran a pasarme cosas y lo que refleja es una serie de vivencias muy crudas y otras muy dulces. Mi infierno celestial es todas las cosas que me han ocurrido durante el tiempo que he estado trabajando en este disco.

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Pearl Jam – Backspacer (Universal, 2009)

Los de Seattle han decidido pulsar la tecla de retroceso, borrando así los pilares musicales sobre los que se sustentaban sus últimas referencias (“Binaural”, “Riot Act”, “Pearl Jam”). “Backspacer” no es el disco al que nos tienen acostumbrados últimamente la banda de Eddie Vedder, es mucho más atrevido que sus predecesores por varias razones.

El nuevo trabajo de Pearl Jam ronda la media hora de duración, algo bastante inusual en ellos. En cuanto al sonido, ya podíamos intuir una frescura renovada con la publicación del single “The fixer”, un corte de rock a secas que rebosa perfección.

En esta misma línea, encontramos la pletórica “Gonna see my friend”, que nos muestra a la banda en un estado de forma envidiable. Y llegamos a la pista que confirma la frescura compositiva por la que están pasando los que fueran ídolos de masas en los 90. Se trata de “Got some”, una canción contundente que se acerca al punk por momentos.

Antes de que se asusten sus más acérrimos seguidores, conviene señalar que Pearl Jam conservan sus señas de distinción, mantienen intacto ese olfato rockero que les acerca a Neil Young. Buena muestra de ello es “Supersonic”, obra de corte setentero que suena como un tiro, al igual que “Force of nature”, algo más relajada pero igual de sentenciosa.

Y en “Johnny Guitar” hacen un guiño a aquel pistolero que un día decidió cambiar la pistola por una guitarra (pieza basada en el western de Nicholas Ray de 1954 que llevaba el mismo título). Y más tarde, se decantan por las melodías sugerentes que impregnan de sentimiento canciones como “Just breathe”, “Unthought known” o “Speed of sound”.

Y al final, “The end”, una triste confesión de aquel que dice querer envejecer mientras repasa todos aquellos sueños que nunca llegaron a hacerse realidad. Esta despedida, que goza de una austeridad instrumental impecable, nos muestra a un Eddie Vedder que aún puede presumir de tener una de las voces más personales del panorama. Y que así sea por mucho tiempo.

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Skunk Anansie – La llamada de Londres

Skunk Anansie fueron sin duda uno de los grupos más grandes de rock en los 90. La banda liderada por la imponente Skin cosechó su mayor éxito a raíz de la publicación de discos como “Stoosh” o “Post Orgasmic Chill”. En 2001 deciden poner fin a su carrera artística, algo que impactó a sus seguidores. Ahora, vuelven con “Smashes & Trashes”, un disco recopilatorio que además incluye nuevas piezas y revisiones de temas ya conocidos de la banda. Mark Richardson (batería del grupo desde sus inicios) está al otro lado del teléfono y nos cuenta todos los detalles relacionados con el regreso de la banda.

Ocho años después de que la banda se separara, habéis decidio publicar “Smashes & Trashes”, ¿qué os ha llevado a entrar en el estudio otra vez?

Este disco teníamos planeado grabarlo hace tiempo, se iba a grabar de todas forma, pero el proceso se fue prolongando hasta ahora. Queríamos implicarnos al máximo para que el resultado fuera el mejor posible. Queríamos sentirnos orgullosos del disco, no queríamos grabar por grabar.

¿Qué vamos a encontrar en vuestro nuevo disco? ¿Se trata simplemente de un recopilatorio de grandes éxitos?

Hicimos dos conciertos en Londres durante el mes de abril y decidimos tocar el viejo repertorio. Entonces nos dimos cuenta de que teníamos que volver a trabajar en nuevas canciones, nos apetecía tocar juntos y cuando finalmente vimos que no habíamos perdido la química, decidimos volver a juntarnos. Pero nonos preocupaba si eran nuevas o viejas canciones, se trataba de recuperar la química. Al fin y al cabo, eso es Skunk Anansie.

¿Fue muy complicado decidir las canciones que aparecerían en el recopilatorio? ¿Quién eligió el listado de canciones?

No fue difícil porque nosotros consideramos que todas son hits (risas). Las elegimos entre todos, pero decidir el orden fue lo más complicado porque se supone que teníamos que hacerlo siguiendo un orden cronológico y lo que hicimos fue juntar los 12 éxitos que conseguimos en el Reino Unido.

A finales de los 90 Skunk Anansie era un grupo que había conseguido varios discos de platino y poco después anunciasteis la disolución del grupo, ¿por qué en aquel momento?

Realmente la banda estaba funcionando de maravilla, lo estábamos haciendo bien pero Skunk Anansie no era algo que hiciésemos por dinero, nos separamos porque estábamos cansados y no podíamos continuar en ese momento. No fue una separación, fue más bien un parón. Queríamos recuperar el hambre por tocar.

Sabemos que Skin y Ace se embarcaron en sendos proyectos en solitario cuando Skunk Anansie decidieron hacer ese parón, Cass grabó un disco de Gary Moore y tú te uniste a Feeder tras la muerte de Jon Lee. Háblame de estas experiencias.

Sólo te puedo contar mi experiencia en cuanto a formar parte de Feeder. Fue una posición muy complicada para mi porque tenía que reemplazar a uno de los miembros más importantes de la banda. No era lo mismo que estar con Skunk Anansie, no sentía la misma implicación.

Hace unos meses tocasteis en dos ocasiones en el londinense Water Rats, la sala antes conocida como Splash Club, ¿qué sentisteis al volver a subir al escenario en el que debutasteis?

Realmente no nos sentimos como supuestamente debíamos sentirnos, no estábamos nerviosos, no sentíamos ninguna presión, fluyó todo de una manera muy natural, se podía respirar un buen clima, fue fantástico. Los dos conciertos estuvieron fenomenales y la respuesta del público fue muy buena.

En vuestra web podemos leer un texto en el que aparecen Obama, Gordon Brown y George W. Bush, ¿estáis interesados en la política?

Sí, estamos interesados en la política, pero no pretendemos hacer un manifiesto político con nuestras canciones, Simplemente, estamos informados, leemos y lo comentamos, pero creo que es algo que hace todo el mundo con la política de su país. No pretendemos mezclar la política con la música pero sin querer en la música se acaba hablando de política.

Hace unos años Skin afirmó en el NME que Skunk Anansie eran una banda de clit-rock, ¿qué quería transmitir con aquellas declaraciones?

Nosotros no queremos encasillarnos dentro de ningún movimiento, pensamos que los grupos nacen y mueren, pero creemos que no deberían ser encasillados. El NME publicó algo y nos encuadraron dentro del brit rock, lo de Skin fue como un desprecio hacia la revista.

Comienza vuestra gira europea y en Noviembre estaréis tocando en Madrid, ¿algunas palabras para vuestros seguidores españoles?

Estamos muy contentos de haber vuelto, gracias por el apoyo y os prometemos que no os vamos a defraudar.

Publicado en Paisajes Eléctricos